使用玻璃为载体，杜尚也是有他自己的用意的，虽然从中世纪开始玻璃就已是一种常用的创作材料，比如常见于教堂的玻璃画，等等。但那些都是使用彩色玻璃本身作为原料，镶嵌在墙上拼接出各种造型来。而在架上使用玻璃作为载体，还是第一次，这使得杜尚成为了第一个用玻璃来表现现代艺术的艺术家。在玻璃上绘画，杜尚进行了反复多次的尝试，最终他采用了镶嵌玻璃技法，用铅条固定边线，然后再把颜色填进去，最后通过镀膜的方式固定颜色。由于使用了这种方式，整个创作的过程与其说是绘画，不如说是制作更加准确一些，它们像是使用机器生产出来的机械制品一样，没有了传统绘画的笔触等因素的参与，也最大限度地减少了情绪的表达。杜尚认为，这种制作形式，恰恰是他要否定传统绘画和美学的一种最佳方式。
杜尚使用玻璃作为载体是通过一次画画调色的时候得到的灵感。有一次他在画画的时候，用一块玻璃来做调色板，从反面也可以看见颜色，由此杜尚敏锐地感觉到，他可以利用玻璃来做些有趣的东西。最后这件作品完成并展出时，是放在一个直立的架子上的。人们在正面、反面都可以看到不同的景象，而且由于玻璃是透明的，那么把它放在不同的地方，就会形成不同的背景，这使得绘画具有两重性。
对于《大玻璃》，批评家有多种不同的解释，但杜尚本人却说对它没有任何的解释，因为他在做它的时候，是没有什么观念的。他把它看成是一连串的试验，它只是对所有美学“否定”的试验。而且在其中也没有要在绘画上创造一个新运动的想法。这确实是符合杜尚做这件作品的初衷的，他只想摆脱、否定，而不是确立什么东西。当卡巴内问杜尚对别人对他作品的解释和评价有什么想法时，杜尚这么说：“他们每个人都给自己的解释留下了他自己特别的记号。这些并不意味着对或错，这些都很有意思。这有意思是对当你想到写这一类的解释的那个人而言的。对于那些给印象派写解释的人是同样的情形。你相信这个，或者你相信另一个，取决你感到和哪一个更亲近。”
令人感到有意思的是接下来的这段对话，它让你看了之后，不小心笑出来：
卡巴内：“所以，从根本上说，你对那些写出来的评论不加关心。”
杜尚：“不，我很有兴趣的。”
卡巴内：“你读了。”
杜尚：“当然，但都忘了。”
杜尚的智慧并不表现在对旁人的评论完全不感兴趣，相反的，他似乎对批评家的评论，对同行的作品，对前人的经验，对传统哪怕是对他反对和讥笑的东西都是有着好奇心的，这颗好奇心使他对这些人物和事物都了然于心。而最让人钦佩的是，他却可以不为它们所动，继续着自己想做的事情。所以，杜尚说他读过，但都忘了，其实并不是真正忘了，只是那些对他不会构成任何影响，就如同遗忘了一般。
《泉》（Fountain）（1917年），这件作品可能是杜尚最知名的作品了。1917年，杜尚在商店买了一个男用的小便池，在上面署上“R.Mutt”的标记，然后给它冠以“泉”的名字，便送到美国独立艺术家展览要求作为艺术品展出。这一举动，在当时引起了极强烈的反响。后来，这一事件，成为了现代艺术史上里程碑式的事件。据新闻报道，2004年英国现代艺术最高奖项特纳奖的赞助商哥顿对500名艺术家、博物馆馆长、艺术批评家及艺术品商进行了调查，这四类人心目中最具影响力的艺术品各有不同，但大多数艺术家都把票投给了杜尚的小便池。艺术专家西蒙·威尔逊就此评论道：“杜尚关于任何事物都可以成为艺术的观念最终大行其道……在我看来，情形就像是有整整一代新人在那里宣言：‘少废话——杜尚开启了现代艺术的大门。’”
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毕加索的蓝色时期：
毕加索在1900年到1904年这段时间，绝大多数的作品都是以单色作画。这个单色通常使用的是阴郁的蓝色和蓝绿色。这个时期的作品在毕加索生前虽难以出售，但是现在却大不相同，成为了他非常著名的作品。毕加索回忆这个时期时说：“我在卡萨吉马斯死后学着以蓝色作画。”卡洛斯·卡萨吉马斯是毕加索的挚友，因此有学者认为，这种阴郁的调子，是受到挚友的死的影响。
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塞尚：
保罗·塞尚（Paul Cézanne，1839—1906），法国著名画家，是后期印象派的主将，从19世纪末便被推崇为“新艺术之父”，作为现代艺术的先驱，西方现代画家称他为“现代艺术之父”或“现代绘画之父”。他对物体体积感的追求和表现，为“立体派”开启了思路；塞尚重视色彩视觉的真实性，其“客观地”观察自然色彩的独特性大大区别于以往的“理智地”或“主观地”观察自然色彩的画家。
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布尔乔亚：
布尔乔亚即bourgeois的音译，用来形容庸俗市侩，毫无审美情趣的人，属于小资产阶级（petty bourgeois），相当于现在的“小资”。19世纪，布尔乔亚盛行，但其贪婪、狭隘、庸俗和保守的恶品质也渐渐显露。资产阶级出现在中古时期的意大利，那时住在庄园中的居民开始变得比住在附近乡间的人还要富有。因此他们可以获得相对较多的权力和影响力，越来越接近统治阶级和神职人员，同时逐渐远离平民阶级。这种中古时期的资产阶级原型就是磨坊拥有者，他们能够快速地对当地经济产生重大影响力，以至于可以对统治者表达否决权。在接下来的世纪里，资产阶级这个名词则较适合用来指称最初的银行家，以及那些从事新兴活动如贸易和金融的人。19世纪之前，这个词大部分情况下指的就是低于贵族、高于农奴和无产阶级的广大人群。
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《圣安东尼的诱惑》：
这幅《圣安东尼的诱惑》是为里斯本的一家圣约翰教堂画的祭坛画，也是画家希罗尼穆师·博斯最富代表性的杰作之一。画中描绘了圣安东尼跪倒在礼拜堂前被众魔鬼和撒旦纠缠的情景。画的主角圣安东尼是一位虔诚的基督教徒，在父母去世后，他将财产尽数散给穷人，自己隐居墓地，苦苦修行。其间经历了魔鬼的种种诱惑，从未动摇过他的坚定信念。画面中心的圣安东尼跪倒在地上，孤独而又无助，各种魔鬼幻化成的离奇古怪的怪兽、恶魔重重围困着他。读着《圣经》的老鼠、披着铠甲的鱼、拿着刀坐在篮子里的猴子、人面兽身的怪物，天空中飞翔的轮船、远处的屋顶上饮酒作乐的传教士、裸体的女子，一个从楼上跳下的人在画面的左上方，出现了熊熊烈火，喷吐的火苗肆意地吞噬着远处的建筑物，浓重的黑烟遮掩了大半个天空，无助和毁灭的气息笼罩着大地。仿佛整个世界都疯狂了，所有的魑魅魍魉都粉墨登场，扭捏作态地尽情狂欢着。整个画面中，各种各样想象中的魔怪被刻画得匪夷所思而又生动形象。
博斯正是通过这些象征性和暗喻性的虚拟形象，影射着教会的黑暗、宗教戒规的虚伪以及社会秩序的混乱。画面中一半晴朗的天空，一半被浓烟遮蔽的天空，似乎在告诉人们若不坚定自己的信念，就会被恶魔引诱，从而万劫不复，失去上天堂的路。而整个杂乱无序、狂魔乱舞的画面，也可理解为是对人类潜藏在理性背后的虚伪和可怕本质的揭露，我们胆怯而软弱、贪婪、衰老、出言不逊。环视左右，皆是愚人：不虔敬者、傲慢者、贪财者、奢侈者、放荡者、淫欲者、暴躁者、饕餮者、贪得无厌者、嫉妒者、下毒者、离经叛道者。末日即将来临，一切皆显病态。所有的天地万物都被无序地糅杂在一起，怪诞、荒谬、张扬而又病态，其实这正是人心中各种膨胀的欲望和徒劳努力的写照，是人生在虚无中挣扎的艺术化。
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毕加索的粉红色时期：
这个时期毕加索遇见了自己的爱情，1904年，他和恋人费尔南德·奥利维叶正处于热恋中，这个时期毕加索的绘画热情高涨，创作的画作大多是以粉红色和土黄色为主。《拿烟斗的男孩》就是创作于这一时期。
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超现实主义：
广义地来说，超现实主义也属于一个运动。它所涉及的领域不局限在艺术方面。它更早地出现在哲学、文学等领域。超现实主义的发起者是两位作家，布列顿和阿波利奈尔。诗人阿波利奈尔是第一个使用“超现实”这个单词的人。最初是哲学上的术语，人们称之为“超自然主义”，到了后来才在绘画上使用它。超现实主义是源于达达主义的文学艺术流派，最先是在法国开始的。在绘画艺术上，超现实主义主要表现为“无意识的”、“超现实的”、“虚幻的”、“梦境的”。超现实主义艺术家有萨尔瓦多·达利、卢梭、米罗、雷尼·马格里特恩斯特等。超现实主义艺术家认为，只有将这些超现实的如同无意识的梦境作为创作的灵感和源泉，才能显示出人们最真实的一面。艺术家米罗的表现手法是在无意识的直觉引导下，用一种近似于抽象的动物、人物图示或符号来表现内心的感受。他的作品色彩斑斓，有着一种儿童的天真气息。被人们称为“把儿童艺术、原始艺术、民间艺术糅为一体的大师”。与米罗不同的是，萨尔瓦多·达利采用的是非常具象的手法来表现画面。达利的作品中，一些看起来毫不相干的事物被放置在同一个画面中，显示出不现实的梦境一般的情境和氛围，充满了戏剧性效果，给人强烈的视觉震撼。
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达达主义：
达达主义严格来说并不是一种画派，而是一种艺术运动，它是1916年至1923年间出现于法国、德国和瑞士的一种无政府主义的艺术运动。它试图通过废除传统的文化和美学形式发现真正的现实。达达主义的主要特征可以总括为“反艺术”，它体现在反对约定俗成的艺术标准、愤世嫉俗、否定美学，追求无意义的境界。在运动期间，达达运动的领袖人物泰赞拉就曾在宣言中这样声明：“达达是这个，达达是那个，达达是这个，达达是那个，达达不过是狗屎。”“这是忍不住的痛苦的嚎叫，这是各种束缚，矛盾，荒诞的东西和不合逻辑的事物的交织，这就是生命。”
达达运动的主体是一群年轻的艺术家，以及一些反战人士，他们通过反美学的作品和抗议活动表达了他们对资产阶级价值观和第一次世界大战的绝望。后来，西方的一些流派受到达达主义的影响，其中就包括超现实主义。虽然达达主义对于传统艺术和当前的艺术都采取一种反对否认的态度，但是它的出现却又成为了现代主义的一种重要的流派，而对我们现在来说，又变成了一种传统，它本身也成为了一种艺术，这多少显得有些讽刺。但是它毁坏性的冲击以及对传统批判的理念，无疑成为一种重要的精神影响力。
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立体主义：
立体主义（Cubism）是西方现代艺术史上的一个重要的流派，1908年在法国兴起。受到20世纪初工业社会大发展的影响，立体主义的画面是以解析和重组为主要表现的形式的。艺术家通过描绘对象的多角度并放置于同一画面空间中，以此来再现对象的最完整的形象。立体主义的画面所展现的并不是传统意义上的透视规律，更像是以平面的方式来描绘对象，连阴影也是如此。因此更像是二维平面空间的绘画，它追求的更多是几何体对画面的表现作用。再加上由于对象的多个角度的同时呈现，画面便出现许多交错的线条，与传统绘画相比，有着更独特的设计感。对于立体画面的探索，从塞尚那时就已经开始了，这位喜欢用描绘静物的方式去探索新的绘画理念的画家有着自己的理论：“要用圆柱体、圆球体、圆锥体来表现自然。”立体主义的代表画家有毕加索、费尔南·莱热、乔治·布拉克等。
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未来派（Futurism）：
是由意大利诗人菲利波·托马索·马里奈缔（Filippo Tomasso Marinetti）作为一个运动而提出和组织的。他在1909年整个一年中，向全世界发表了一个宣言，这个宣言以浮夸的文辞宣告过去艺术（过去派）的终点和未来艺术（未来派）的诞生。未来派画家们所追求的是隐喻式的主题和不同视象的同时并存。要做到这点是通过描绘运动中物体的多元重叠来实现的；尤其是强调物体与环境融为一体，表现对象被解体和移位，局部的分散与组合不受逻辑的制约并相互独立。为了使观者成为画面的中心，绘画必须是创作者的记忆和所见的综合性体现。未来主义艺术的贡献也并不在于艺术风格和语言的创新上，它的重要性是激进的主张和无政府主义的口号所具有的感染力和煽动性，在20世纪初的西方社会中对现代主义精神的形成产生的极大影响。此派作品的特色就是如宣言所说的，否定了过去一切传统艺术，以动态感的线条，形与色彩，表现骚动的现代生活，赞美机械文明，而不描写任何静止状态。为了追求力动态，他们把线条具体化，而且运用激烈的色彩、弓箭状的斜线、锐角、螺旋形来表现。举凡喧嚣、动力、速率等如同机械般的节奏，都成为他们创作的中心。
